IMAGINARIO GALERÍA DE ARTE

Se presenta una selección de artistas argentinos, se reúnen expresiones de artistas que en un momento único de la historia, vuelcan en las obras su visión, su pensar, su sentir. Puro presente. Muchas de las obras que se muestran aquí fueron realizadas por los artistas en instancias de confinamiento. Otras piezas, de épocas anteriores, fueron elegidas porque parecían predecir lo que vendría. El arte fortalece el espíritu.

Impulso a generar nuevos coleccionistas en un contexto geopolítico en erupción y un tránsito hacia lo que habrá de llegar. En una época en que la incertidumbre pareciera ser el eje, solo un artista puede asumir ese desafío de proyectar sus visiones.

Laura Garimberti, directora de Imaginario Galería de Arte, 2020

Imaginario es una galería de arte argentina multidisciplinar. Nuestra propuesta de valor consiste en presentar al coleccionista las mejores tendencias  y promover a nuestros artistas con una visión de futuro, con especial énfasis en la participación en ferias de arte nacionales e internacionales. Dirigida por Laura Garimberti, ponemos especial atención en los montajes y los soportes no convencionales. Hacemos gestión y marketing, somos cazadores de talentos.

Imaginario Galería de Arte (Buenos Aires)
Laura Garimberti, directora
Av. Santa Fé 1660 - Local 22, Buenos Aires, Argentina
www.imaginarioart.com.ar
@Imaginariogaleria

“El río no ha podido cambiar por más que hagan” le aseguro.

No lo podrán cortar en lonjas, no lo podrán lotear, no podrán quitarle su color dulce de leche chirle. Cuando la marea baje, no podrán disimular nunca su barro ondulado y su tosca. Siempre le crecerán juncos. Siempre le pescaran bagres. Siempre se pondrá rosado, violeta y celeste cuando le de la gana, solo cuando le de la gana. - Victoria Ocampo

Hacer fotografías es mi modo de dibujar con luz. Cuando trabajo voy acomodando la luz para darle el carácter a la imagen. Es un trabajo de artesano. Armar la imagen y trabajar la luz es mi forma de buscar un resultado. Esto es un proceso que me da muchas gratificaciones y me sorprende. La fotografía es mi dialogo entre lo propio y la luz, que dan como resultado una imagen que me representa. Día a día trabajo, compongo, busco sombras, formas, figuras que expresen las experiencias que me constituyen. Las  imágenes hablan de distintos momentos del pasado, miran el presente y proyectan un futuro. La búsqueda es una transformación constante. Pensar de antemano el tema y buscar de expresar un sentimiento concreto es el trabajo. Esta tarea es maravillosa. Mientras hago, busco.  Cuando logro soltar, no controlar, salvo lo técnico, me sorprende lo no pensado, aparece un sentimiento nuevo que se plasma. Es el encuentro. - Ángeles Pereda

“Mi obra… un cuento donde la influencia gráfica se ve reflejada en los trazos tipográficos calados. El papel de algodón junto a textos que escriben su historia, su presente o pensamiento. Los materiales industriales, como acetatos y vinilos, que le dan al relato este aporte contemporáneo y las cajas de acrílico, cunas que contienen y generan este efecto de desnudez dejando todo frente a los ojos del espectador” - Catalina Castilla

Carolina Castilla nació en Buenos Aires en 1966. Realizó estudios en diseño gráfico y producción gráfica en la Universidad de Buenos Aires. Se formó en profesorado de cerámica y engobe en Talles TAST (Instituto Superior Santa Ana) a fines de los 80. Luego se abocó al diseño y a la producción gráfica de manera independiente en la grafica familiar, actividad que prolongaría hasta la actualidad.

En el 2000 comenzó a profundizar sus estudios en artes pláticas, formándose con diversos maestros, como Silvia Brewda, Silvia Turbiner, Silvia Fischman, Silvia Cordero Vega. En el 2014 estudió las disciplinas Shodo y Sumi-e durante cinco años en el Museo de Arte Decorativo, a cargo de la profesora Julieta Jiterman. En el 2017 viajó a Tokio (Japón) donde profundizó diversas técnicas milenarias. Desde ese momento a la actualidad participa de clínicas de arte y perfeccionamiento de técnicas con diversos referentes, especializando su investigación en la producción y utilización del papel como base de su obra.

Jaime Moxey nació en Buenos Aires en 1948, estudio con Miguel Angel Vidal. Expone desde hace muchos años en galerías varias como Pabellon 4, Ardama, Adriana Indyk, Centoira, del Socorro, Imaginario, Museo Metropolitano, Museo Fernández Blanco y en Coral Gables Florida. Vive en Capilla del Señor, provincia de Buenos Aires.

Moxey se mete en un particular género que representa escenas de la naturaleza, montañas, valles, árboles, ríos y bosques, es campo urbano. Casi siempre incluye el cielo. Además del paisaje natural, también trata como un género específico el paisaje gauchesco.

Aquí el paisaje sirve para expresar las utopías urbanas. A menudo se perciben escenas interiores con un protagonismo importante de  personajes actuales, conseguido por la convivencia del artista con la naturaleza. Paralelamente, los personajes protagonizan escenas cotidianas mezcladas con una historia interior soñada, los símbolos tomados actúan como elementos que construyen el relato.

Mónica Tiezzi nació en Villa María, Córdoba. Estudió abogacía y se especializó en derecho empresarial. Se graduó en Historia del Arte y Antigüedades Occidental y Oriental. Activamente participa en diversas instituciones y fundaciones solidarias. Desde pequeña ha estado en contacto con el arte en sus múltiples disciplinas: música, escritura y poesía. Multifacética con estilo propio. Su arte invita a la creatividad que vive dentro de cada uno.

Su obra abstracta nos permite dejar volar nuestra imaginación. Cuando Mónica se inspira logra su total conexión con el universo, pudiendo expresar en absoluta libertad diversas emociones, sonidos y vibraciones. Considera terminado su trabajo cuando los observadores conectan con las mismas sensaciones. Ha realizado múltiples exhibiciones individuales y colectivas, a nivel nacional e internacional. Sus obras forman parte de colecciones privadas en Argentina y en el exterior.

Para mi el arte es una aventura a un mundo desconocido que solo puede ser explorado por aquellos dispuestos a arriesgarse. Me propongo reflejar mis emociones y mi estado de ánimo. Cuando pinto dejo volar mi imaginación, lo hago con libertad, no permitiendo que la razón me impida manifestarme. Mi pintura no tiene ataduras, es un transitar, un gesto. En cada obra encuentro una nueva forma de expresar mis vivencias personales. Mi vida y mi obra son la misma cosa. - Mónica Tiezzi

Sobre la obra de Mónica Tiezzi

por Gabriela Basso, 2020

Al acercarnos a la obra de Mónica Tiezzi, imaginamos que la acción es el motor que le permite construir, con persistencia emotiva, una alquimia de colores para desplegar la mayor plenitud de los sentidos. No sujeto ni a la abstracción, ni a la representación, nos encontramos con el pincel de Mónica Tiezzi en un recorrido por la tela, construyendo pequeñas luces, pequeños mundos, susurros y ritmos que permiten que emerja el color que nos seduce, no por la austeridad sino por las vibraciones expresivas que nos otorgan una vivencia intuitiva revelando su intención de goce y porque no, de alegría. El procedimiento que utiliza la pintora se mueve entre la experimentación y el automatismo. Parte de un fragmento y, a modo de danza, el pincel la lleva libremente entre colores y manchas a un resultado azaroso. Tiezzi construye una pintura all over, que va de un extremo al otro del lienzo negando todas las posiciones privilegiadas. Su intención es la creación pictórica que deviene de su inconsciente. Las obras de Mónica se gestan desde su visión y las sensaciones que tiene del mundo que la rodea, los amaneceres, el mar, los viajes, apuntando desde sus sentidos e invitándonos a sumergirnos en ellos. Su obra es un canal que le permite captar su energía y su fuerza interior, así como la de la naturaleza. Las Artes formaron parte del mundo de Mónica durante su niñez. La música, la poesía la literatura no eran ajenas en su familia. Al cabo de los años, la pintura se apoderó de ella.

Si bien desarrolló carreras profesionales como la abogacía y las relaciones empresariales, la pintura surgió en Mónica como una fuerza natural que le permitió expresarse desde otro lugar, como si no hubiera tenido otra opción. Desde ese momento, comenzó una nueva forma de estar en el mundo. De ese modo, como una bailarina o un equilibrista, Mónica comienza su jornada con meditaciones y luego con el ejercicio pictórico con el fin que todas las partes de su cuerpo traduzcan sus emociones. Una vez descubierta su pasión por el pincel nunca la abandonó y le permite vivir en su eje que es el Arte, en una versión más fresca y libre, que es como Mónica se mueve en la vida, atenta a las relaciones afectivas, a su entorno y a su interés por la sostenibilidad. Podríamos concluir que sus obras son meditaciones del hacer expresadas en la línea de Pollock o, que nos remiten a Kline o los maestros japoneses en su caligrafías. A su semejanza, la artista disfruta en cambiar su pintura en el camino, debido a su búsqueda personal en cada instante y en cada nueva obra, como si se tratase de un nuevo renacer. Se dice que el camino se hace andando y pareciera que Mónica tiene muchos caminos por explorar y traducir a través del pincel.

Todo comienza con un trazo y la aparición de una imagen parece depender de la vida misma del gesto,  este trazo no es descriptivo sino evocativo  obligándonos a mirar en nuestro almas, forzándonos a escuchar nuestro silencio interior para poder así dejarnos llevas por la intuición. Cada imagen tiene en sí, imágenes infinitas percibidas por el sentir de cada instante; caminos infinitos para seguir una historia formada de sentimientos, memorias y formas.

El sentir, es entender el mensaje de la naturaleza, somos parte de todo, del agua, tierra, aire, fuego, es vivir en armonía con la naturaleza como parte nuestra, vivir así nos abre a todas las bondades de las energías del universo, conectándonos a nuestro origen. - Charo Zapater

Charo Zapater Pomar, de nacionalidad peruana, sigue estudios de Arte en la especialidad de Pintura en: Burton Manor Collage, Chaester Inglaterra. Grabado, en la Escuela de Bellas Artes de San Jordi, Barcelona, España y en 1976 obtiene la Licenciatura con honores en la escuela de Bellas Artes de Roma, Italia.

Juan Pablo Pistilli es escultor y pintor. Desde muy temprana edad se inició en el conocimiento de las artes en el taller de su padre, Hugo Pistilli, donde en forma lúdica concretó, en total libertad, sus primeros juguetes escultóricos. Cursó la carrera de arquitectura en la Universidad Nacional de Asunción y realizó estudios de escultura en Chile y en Brasil, así como en grabado en Argentina. Es profesor de escultura en el Instituto Superior de Bellas Artes y figura en el diccionario de las Artes Visuales del Paraguay y en la Enciclopedia Paraguaya.

Lleva realizadas trece exposiciones individuales y numerosas esculturas de gran formato en su país. Ha participado en encuentros internacionales de Arte Público, donde realizó esculturas en Corea del Sur, Bolivia y Argentina, y murales en México y en diversas ciudades de Argentina. Sus obras se encuentran en colecciones privadas en Paraguay, Argentina, Uruguay, Bolivia, Cuba, Chile, México, Estados Unidos, Alemania, Austria, Italia, Corea del Sur y Turquía. Es creador de obras que constituyen galardones otorgados por diversas entidades. En la actualidad se encuentra a cargo de la galería Pistilli y el taller experimental “la Crisálida”, donde desarrolla obras de pequeño y gran formato dando énfasis en la producción de arte público como parte de un posicionamiento que plantea: “el arte debe llegar a la gente”.

Última hora: El valor que tiene el Gallo de Oro en particular es la permanencia (2020): “Para Pistilli, la belleza e identidad que tiene este galardón, creado por su padre, se basa “en la simplificación de las líneas en tan noble metal y en el gesto del vaticinio en movimiento”.

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El Nacional: Juan Pablo Pistilli prepara un Pasaje de Escultores en homenaje a su padre (2020): “Su faceta artística desarrolló desde muy pequeño en el taller con su padre, creando desde diminutos robots en forma de juegos en la etapa de la niñez hasta el interés por la cultura en general. Pistilli señaló que sus padres siempre incentivaron la libertad”

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Mauro Arbiza en sus comienzos y de forma autodidacta incursiona en área de la pintura. En 2004 viaja a Miami, donde conoce al escultor cubano-estadounidense Manuel Carbonell, quien al ver su pintura lo invita a ser su discípulo. En 2006 vuelve a Miami para comenzar sus estudios como discípulo de Carbonell. En esta etapa comienza desarrollando una línea muy cercana a la de su maestro, pero a poco tiempo descubre su línea personal con la obra VotreBateau, y logra que esa línea sea la identifique su obra hasta la actualidad.

En 2000 publica su libro Interrealismo, el cual contribuye al análisis interior de la obra de arte y del artista desde un punto de vista energético-espiritual. En 2013 el libro fue reeditado por la Editorial Zadkiel. En 2007 funda en Paso de los Toros, el movimiento interrealista. Desde el punto de vista plástico, Arbiza busca la armonía perfecta entre el volumen y la línea con formas puras. Hasta ese momento el soporte de su obra es fibra de vidrio, materiales que permiten que estas obras sean flotantes y aéreas. También trabaja, aunque en menor proporción, en bronce y madera.

A partir de 2014 comienza a realizar toda su obra con fibra de carbono (material ultra resistente), utilizado en las carrocerías de los Fórmula 1, de los Boeing, etc. Arbiza ha desarrollado un novedoso proyecto escultórico denominado «Floating Sculptures» (escultura flotante) consistente en una serie de esculturas realizadas en fibra de vidrio y terminadas en pintura para barco cuya principal característica es que su soporte es el agua. En los últimos años ha realizado numerosas exposiciones internacionales en Canadá, China, España, Estados Unidos, Portugal, Corea del Sur, República Dominicana, Uruguay y Puerto Rico. Además, tiene la particularidad de realizar Workshops tallando en vivo. Su interés es que la gente vea cómo a partir de un bloque surge la obra.

Punta del Este Internacional: Mauro Arbiza desde el alma: “Define su obra como interrealista, trabajando no sólo el hecho artístico sino también el sentido espiritual de la obra. Sus esculturas son las preferidas del arquitecto Carlos Ott, que suele incluirlas en sus grandes edificios de lujo que construye alrededor del mundo”

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Víctor Beckelmann abrió su imaginación, sus obras van a contrapelo del registro fotográfico puro y duro, el juega con composiciones de puertas de Asunción con las que construye un entramado. Toma la fotografía como un vehículo de expresión que tiene en esta oportunidad la capacidad mágica de materializarse en prendas únicas. Este homenaje a su entorno con belleza poética suma lo utilitario y la conciencia social, aplicando sus imágenes a telas para confección de prendas realizadas por mujeres en condiciones vulnerables, realizado en sinergia con el apoyo de la Fundación Princesa Diana de Francia, que pone foco en la inserción socio laboral. Con su registro participa del mercado del arte desde un punto totalmente original sumando además tecnología, el proyecto se completa con una app que lleva su nombre. - Laura Garimberti

Gisselle Jara: Víctor Beckelmann. Arte con contenido en Level (2020) “Como todo artista, Víctor tiene la sensibilidad social plasmada en la piel, sus cuadros siempre expresan alguna preocupación o, a través de ellos, intenta promover el pensamiento lógico”

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Yásser Gómez Carbajal entrevista a Víctor Beckelmann en Diario Uno (2019): “Me encantaría hacer un collage de todas las banderas latinoamericanas porque en el fondo eso somos nosotros. Estuve muy contento cuando fui a Cusco y vi la bandera de siete colores del Tahuantinsuyo, y Latinoamérica es esa, respetando en el fondo cada individualidad y cada cultura, pero es una sola, enorme, multicolor”

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Víctor Beckelmann nació en Asunción el 6 de agosto de 1972. Realizó estudios del Curso Taller de Linea y Color, en el Centro de Estudios Brasileños, con Luis Alberto Boh; Curso de Historia del Arte, en el Centro de Estudios Brasileños, con Miguel Ángel Fernández y Javier Rodríguez Alcalá; Curso Básico Intermedio y Profesional de Fotografía, en el Instituto de la Imagen con Mario Franco; Curso-Taller, Preservación del Patrimonio Histórico Cultural, Centro Juan de Salazar, Decid, Cooperación Europea.

Entre sus exposiciones destacan: Paraguay en Casa de América Latina (Bruselas, Bélgica); Introspección en el Centro Cultural Citibank (Asunción, Paraguay); Lima Photo (Lima, Perú, 2019); y Experiencia Naranja en Anselmo/Hilton (Buenos Aires, Argentina).