XIPPAS GALLERIES

Laura Bardier, directora de ESTE ARTE, entrevista a Renos Xippas, director de Xippas Galleries (2015).

¿Cuál es tu tipo ideal de coleccionista?
Decidido.

¿Cuál es, por el contrario, el tipo de coleccionista que intentás evitar a toda costa?
No inteligente.

¿Quién es el coleccionista del que más has aprendido y por qué?
Misterioso.

¿Cuál es el error, si es que hay alguno, que nunca volverás a cometer?
Aprendes mucho de los errores.

¿Cuál es el mejor trato que has hecho, si lo hay?
Todos ganan.

Xippas Galleries fue fundada por Renos Xippas en 1990 en París, y luego se expandió a grandes ciudades europeas y latinoamericanas, como Ginebra y Montevideo. Dedicada al arte contemporáneo internacional, la galería ha actuado como plataforma para el descubrimiento y promoción de artistas emergentes y consagrados. Desde el corazón del barrio del Marais en París, o desde Les Bains en Ginebra, o en el edificio patrimonial del antiguo Hotel Colón en Montevideo, Xippas Galleries está presente en el circuito artístico internacional, desarrollando continuamente exposiciones individuales y colectivas.

Entrevista a Renos Xippas, director de Xippas Galleries. ESTE Podcast es una producción de ESTE ARTE, curada por Laura Bardier y conducido por Elisa Valerio.

Xippas Galleries (París, Ginebra, Montevideo, Punta del Este)
Renos Xippas y Sofia Silva, directores
Ruta 104 km 5, Punta del Este, Uruguay
www.xippas.com
@xippasgalleries

Xippas Galleries se complace en presentar Perlas Tiradas, la primera exposición en Uruguay del artista francés Lionel Estève. La obra de Lionel Estève se encuentra en medio de la encrucijada del dibujo, la escultura y la instalación. La informalidad y la fragilidad que transmite, características propias de las piezas de su producción, agitan nuestra percepción de una realidad infinita, ya que revelan un espacio que parece manifiesto y casi tangible. La interacción lúdica de su trabajo con el espacio, los colores y la percepción sensorial es el resultado de una investigación minuciosa que involucra una amplia gama de materiales. Sus creaciones producen una especie de equilibrio entre aleatoriedad, movimiento, iteración y rigor.

Para su exposición de Montevideo, Lionel Estève ha realizado una serie de dibujos en papel, además de esculturas a gran escala diseñadas específicamente para el espacio de nuestra galería. Al describir esta exposición, el artista ha destacado el papel que juega la libertad a la hora de crear su obra y nos invita a vivirlo a través de un relato íntimo.

Ricardo Lanzarini construye y deconstruye las historias como líneas, como acumulaciones de escenas infinitas. Con minucia y precisión, los personajes se multiplican imponiendo al espectador una mirada fragmentaria. No hay descripción de espacio ni tiempo, las clasificaciones son el resultado de una reflexión a posteriori. El despliegue de dibujos en un espacio restringido (desde una hojilla de cigarrillo a un mural) no cesa de implicar físicamente al espectador que sobrevuela un mundo fantasmagórico, extrañamente parecido al nuestro. El trazo es a la vez abstracción y figuración, el collage plástico construye imágenes que crean collages narrativos, múltiples historias a crear y reinventar. Pero la narración no lleva a ninguna parte, simplemente remite al absurdo de nuestra sociedad contemporánea, a través de personajes grotescos, seres híbridos, deformes que parecen errar desnudos sin objetivos, ni esperanzas.

En relación con obras anteriores, la paleta manejada aumenta su variedad tonal y complejidad cromática y se utiliza para representar elementos de la naturaleza: plantas, ramas, hojas o cortezas de árboles. Estos detalles figurativos se podrían asociar a una renovada aproximación a la tradición del paisaje, aunque en estas obras, el horizonte y la perspectiva, componentes fundamentales que definen este género, no están presentes. Así la artista profundiza sus indagaciones con la representación de la naturaleza estableciendo una posible conexión con cierta tipología vegetal autóctona que se puede reconocer en la paleta de colores elegidos -marrones, verdes, naranjas o terracotas-, y a la vez por algunos elementos figurados como las espinas. Estos rasgos sugieren las formas y el aspecto general de los singulares montes de espinillos, que conforman los montes nativos del campo uruguayo y que además se caracterizan por ser extremadamente densos, cerrados y sombríos.

Pero esas representaciones o signos, lejos de una búsqueda realista, no consuman una representación cabal de esos montes y la sensación de simbiosis que podemos sentir frente a la naturaleza no parece cumplirse. Por el contrario, estos signos se conectan y se complementan a elementos puramente abstractos, como lo son las grandes manchas y planos de color que ocupan un espacio importante en estas obras.

Waltercio Caldas comenzó su práctica artística en la década de 1960, un período marcado por el movimiento Neo-Concreto. Los artistas neoconcretos rechazaron el enfoque racionalista puro del arte concreto, adoptando un arte más fenomenológico y menos científico. Caldas forja la paradoja entre presencia y ausencia, y entre transparencia y opacidad, hasta el extremo. Esta paradoja se refuerza a través de un juego de espejos, una técnica recurrente en su trabajo. Al mismo tiempo, el artista desarrolla la idea de la reflexión sin emplear realmente espejos. Al crear varios planos donde las líneas y los objetos reemplazan los reflejos entre sí, el artista revela un espejo tridimensional y materializa la idea de la reflexión, un proceso que considera como un «desmantelamiento funcional del espejo». Así, Caldas va más allá de la dualidad entre presencia y ausencia, entre positivo y negativo, y logra alcanzar una fusión paradójica entre una realidad tangible y el pensamiento.

Waltercio Caldas nació en Río de Janeiro en 1946, donde aún vive y trabaja. Su primera exposición individual tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1973 cuando solo tenía 27 años. En 1990, recibió el Premio de Arte Brasilia en el Museo de Arte de Brasilia. Desde entonces, numerosos museos e instituciones de arte han dedicado exposiciones a su trabajo, incluida la Kanaal Art Foudation en Kortrijk, Bélgica (1991); el Museo Stedelijk, Schiedam, Países Bajos (1992); el Centro de Arte Contemporáneo de Ginebra, Suiza (1995); el Museo Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro, Brasil (2000); la Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal (2008); el Blanton Museum of Art, Austin, Estados Unidos (2013); el Instituto de Arte Contemporáneo de Sao Paulo, Brasil (2015), entre otros. También representó a Brasil en la 47ª Bienal de Venecia (1997) y participó en la 52ª Bienal de Venecia (2007). Participó en la Documenta 9 en Kassel (1992) y en la 5ª Bienal del Mercosur (2005). Sus obras han sido adquiridas por importantes colecciones de todo el mundo: el Centro Georges Pompidou (París, Francia), el Museo de Arte Moderno (Nueva York, Estados Unidos), la Galería Nacional de Arte (Washington, Estados Unidos), el Museo de Arte Moderno Arte en São Paulo y el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (Brasil), entre otros. Sus monumentales instalaciones públicas están presentes en numerosos países: Brasil, Uruguay, España, Noruega y Alemania.