Laura Bardier, directora ESTE ARTE, entrevista
a Silvia Arrozés, directora de Galería Del Paseo (2015).

¿Cuál es tu tipo ideal de coleccionista?
Coleccionistas orientados al arte contemporáneo.

¿Cuál es, por el contrario, el tipo de coleccionista que intentás evitar a toda costa?
Me gusta escuchar a todos los coleccionistas y ayudarlos por igual.

¿Quién es el coleccionista del que más ha aprendido y por qué?
Intento ver aspectos positivos en todos ellos.

¿Cuál es el error, si es que hay alguno, que nunca volverás a cometer?
Siempre hago mi trabajo haciendo todo lo mejor posible.

¿Cuál es el mejor trato que has hecho, si lo hay?
Cada trato es diferente y los aprecio a todos de la misma manera.

La propuesta para ESTE ARTE 2021 incluye a 4 artistas referentes del arte contemporáneo latinoamericano: Pablo Uribe y Gerardo Goldwasser (Uruguay) con obras de la muestra Sala Medida (Del Paseo Punta del Este, enero 2021), y Claudia Coca (Perú) y Claudia Casarino (Paraguay) con obras correspondientes a la muestra Mala Hierba / Yerba Mala (Del Paseo Lima, octubre 2020).

Entrevista a Silvia Arrozés, directora de Galería Del Paseo. ESTE Podcast es una producción de ESTE ARTE, curado por Laura Bardier y conducido por Elisa Valerio.

Galería Del Paseo fue fundada en 1998 en Uruguay y desde entonces desarrolla un programa de actividades orientadas a la promoción de artistas latinoamericanos en la línea de la creación contemporánea. Inicialmente instalada en el distrito histórico de Montevideo, en el año 2004 se trasladó a Punta del Este, donde realiza exhibiciones durante todo el año. Desde el año 2013 apertura un espacio en Lima (Perú), donde incorpora a un destacado grupo de artistas contemporáneos. A partir de 2019 se asocia con Marianelli Neumann, quien dirige la galería en Lima.

Del Paseo (Punta del Este, Lima)
Silvia Arrozés, directora
Ruta 10 Km. 164, 20002, Punta del Este, Uruguay
www.galeriadelpaseo.com
@galeriadelpaseo

Mala hierba / Yerba mala

por Ticio Escobar

“La artista se basa en un caso expuesto por Rafael Barret en El dolor Paraguayo. Los mensú no contaban con más bienes que sus propias camisas: la cuidaban tanto que, antes que destrozarlas, preferían a veces exponer sus espaldas y terminar de desgarrarlas, que igual serían rajadas por la carga descomunal que portaban. Las camisas de los mensú eran usadas del revés, de modo a cubrir el pecho y dejar descubierto el dorso. Las prendas expuestas por Claudia Casarino llevan ratsros terrosos, sangrientos, de otras camisas que buscan sustituir la parte restada a la espalda”

LEER MÁS

Claudia Casarino estudió Artes Visuales en el ISA de la Universidad Nacional de Asunción. Desde el año 2006 es directora de la Fundación Migliorisi, institución abocada a la conservación, promoción y difusión del arte y el diseño. Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran Iluminando la Ausencia (Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas, España, 2018); Trastornos del Sueño (Haw Contemporary, Kansas City, 2017); Contrafuga (Centro Cultural de España Juan de Salazar, Asunción, 2017); El Borde no es la Frontera (Centro de Artes Visuales/Museo del Barro, Asunción, 2015). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas Futuro Volátil (Casa Naranja, Córdoba, Argentina, 2018); Entre el Mañana y la Muerte (Museo del Barro, Asunción, 2017); Hiatos. Diferimiento y textos en el arte textil (Fundación Migliorisi, Asunción, 2017); Migrantes (En el arte contemporáneo), Hotel de los Inmigrantes (MUNTREF, Buenos Aires, 2015); entre otras. Ha participado en la Trienal Poli/Gráfica de San Juan, Puerto Rico (2015); 1° Bienal de Asunción, Paraguay (2015); 54° Bienal de Venecia, Pabellón Latinoamericano lila (2011); Trienal de Chile, Museo del Barro, Una mirada múltiple, Santiago, Chile (2009); V Bienal del MERCOSUR, Porto Alegre, Brasil (2005); VIl Bienal de La Habana, Cuba (2000). Ha sido residente en Gasworks, Londres. En 2011 recibió la Mención de Honor del Premio Nacional de Bellas Artes de Paraguay. Su obra forma parte de la colección de Casa de las Américas, La Habana; Fundación Migliorisi, Asunción; Centro de Artes Visuales, Museo del Barro, Asunción; Colección de Arte Contemporáneo del Banco Interamericano de Desarrollo; Victoria & Albert Museum y Spencer Museum, Kansas.

COMISSIONED WRITINGS

Lo que no puede ser borrado es actuado

Apuntes sobre Indeleble de Claudia Casarino (Galería Del Paseo) por Cecilia Tello D’Elia. Febrero 2021.

Una camisa casi blanca con una camisa estampada. La prenda real está abierta hacia el muro, sostenida por dos alfileres. La imagen de la camisa estampada se encuentra cerrada, abotonada. La segunda se alcanza a ver parcialmente por las mangas que caen extendidas. Sin embargo, se pueden seguir viendo diferencias entre una y la otra camisa. La estampa es una camisa icónica, mientras que la real tiene una textura particular producto de un bordado genuino.

La tinta marrón de la estampa vehiculiza la mirada hacia una hoja situada al lado de las camisas. Tanto las camisas como las hojas se igualan en un fondo color beige y en la tinta marrón rojiza.

La imagen muestra una planta, una flor, un fruto, una bombilla, un recipiente y una varilla de madera, acompañados en el pie de página con sus nombres en francés que nos indica que se trata de la yerba mate.

Mala hierba / Yerba mala

por Ticio Escobar

“Claudia busca los rastros de una escritura propia, revirtiendo el sentido del dibujo naturalista para dibujar a lápiz especímenes de plantas sudamericanas en una operación que parodia el registro naturalista de las taxonomías científicas. Las plantas oriundas del nuevo continente son reinscritas en otros registros, en otros climas: cultivadas en suelos y atmósferas diferentes, estetizadas y arrancadas de contexto no solo natural, sino sociocultural, histórico, político”

LEER MÁS

Alejandra Villasmil entrevista a Claudia Coca en Artishock (2020): “De alguna manera el trabajo en conjunto se fue incubando ahí. En esos días nos dimos cuenta de muchas cosas en común, desde temas anecdóticos hasta cuestiones visuales y conceptuales de nuestros respectivos trabajos”

LEER MÁS

Claudia Coca es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú y del Bachillerato Complementario en Arte en la Universidad Mayor de San Marcos. Entre 2011 y 2018 fue directora académica de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna, Perú. Actualmente es miembro del Consejo Consultivo del Bicentenario del Perú 2021. Entre sus exposiciones individuales destacan: Todos los espacios están contemplados en mi reino (Proyecto Suero, Pamplona, 2019); No digas que no sé atrapar el viento (MUNTREF, Centro de Arte y Naturaleza, Buenos Aires, 2018); Cuentos Bárbaros - Otras Tempestades (Sala Luis Miró Quesada Garland, Lima, 2017) y Cuentos Bárbaros - Territorios Cercanos (Galería Del Paseo, Lima, 2017); Mestiza, Antología 2000-2014 (MAC, Lima); y Revelada e Indeleble (Museo de Arte de San Marcos, Lima, 2011). Ha participado en muestras colectivas tales como: Tiempo de cambio: arte y desorden social (El Espacio 23- Colección Jorge Perez, 2019-2020); Fricciones (Bienal Sur, 2019); Estados en crisis. Ejerciendo ciudadanía desde el arte (Museo de Arte Contemporáneo, Lima, 2018); Detonante: El Perú después de la CVR (Museo Metropolitano, Lima, 2013); entre otras. Ha participado en la BienalSur (Argentina, Perú y Bolivia, 2019); Trienal de Chile, en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago (2009); y la 11 Bienal de MERCOSUR, Porto Alegre, Brasil (2001). Ha recibido el Premio Luces a la mejor exposición retrospectiva, por su muestra antológica Mestiza (MAC-Lima, 2014); el Segundo Premio del Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú (2009); y una beca del Tercer Coloquio de Derechos Humanos en Sao Paulo, Brasil (2003). Su obra forma parte de diversas colecciones: Pérez Art Museum (Miami); Museo del Banco Central de Reserva del Perú (Lima); Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC-Lima); Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima); además de colecciones privadas en Perú y el extranjero.

COMISSIONED WRTINTINGS

Lenguas nómades

Cavilaciones sobre Claudia Coca (Galería Del Paseo) de Mariangela Giaimo. Febrero 2021.

La corteza ensanchada, húmeda y blanda
anhela saltar, huir, volar, desvanecerse
sacudirse el asedio tenaz de las raíces.
El agua que no sube por dentro agobia.

Las hojas se pegan al tronco, podridas, negras
impropias en la frescura alegre del verano,
malolientes en la mañana recién nacida
viscosas, carnales, descartables, sucias.
Te reclamo despojada de anestesia
de orígenes rituales y lúdicos.

Te reclamo cruda entre las arcadas y fundiendo el
acero.
Te perdiste de vista para volver a condenar,
más que nunca
has degollado el silencio.
El plástico nunca conoció el silencio
y te pide a ti
madre
que hagas toda la redención.

COMMISSIONED WRITINGS

Metro irregular 1

Dos versos retrógrados para Gerardo Goldwasser por Riccardo Boglione. Enero 2021.

Sala Medida, 2021

por Pedro Livni

”A partir de 1915 cuando Malevich en la exhibición “0,10” coloca el cuadro Cuadrado negro sobre la esquina de la sala, la relación entre la obra y el espacio expositivo cambia radicalmente. La sala deja de ser el lugar neutro en el cual los artistas exhiben sus obras para ser percibidas en autonomía y pasa a ser parte indisociable de la obra. Una relación entre obra y espacio arquitectónico que se puede asemejar a la idea de “site” desarrollada por Robert Smithson a finales de la década del 60. Esta actitud iniciada por Malevich puede ser entendida como el comienzo de una tradición que se va a expandir en múltiples sentidos.

En esta ocasión Pablo Uribe y Gerardo Goldwasser vuelven a coincidir en la sala principal de la Galería Del Paseo en Manantiales. Una sala de planta rectangular, aparentemente neutra, con la particularidad de un descenso en la cubierta. Como es de esperarse las obras presentadas por Uribe y Goldwasser se relacionan entre sí por su rigurosa abstracción y la economía de medios utilizados, ambos aspectos que se pueden asociar al minimalismo. Sin embargo, este no es el único tema que comparten las obras presentadas.

Las Reglas de Goldwasser configuran dos obras que se enfrentan emplazadas en las paredes laterales. Un decágono perfecto que aparenta flotar en autonomía sobre el muro y un polígono irregular de forma triangular que se acomoda encajado de manera incómoda en la pared opuesta. La pared longitudinal, visible desde el exterior, es ocupada en la parte superior por Uribe con uno de sus Croma. Una disposición que entra en conflicto o reconoce el descenso en la cubierta antes referido. De esta manera y apelando a diferentes recursos ambos artistas miden e incorporan el espacio arquitectónico a través de sus obras.

En el caso de Uribe la medición es atmosférica y se da mediante la amplitud cromática que intercepta la arquitectura. Mientras que Goldwasser apela a una herramienta de medición directa que remite al esfuerzo de una memoria física transfigurada”

Metro irregular 2

Dos versos retrógrados para Gerardo Goldwasser por Riccardo Boglione. Enero 2021.

Gerardo Goldwasser estudia elaboración de papel con Laurence Baker (director del Barcelona Paper Helkshop en España) en el Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo y en 1986 grabado en metal con David Finkbeiner (profesor del Manhattan Graphics of New York y Pratt Institute of New York) también en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo. De 1984 a 1988 concurre al Centro de Expresión Artística (CEA), dirigido por Nelson Ramos. Entre sus exposiciones individuales se destacan: 1985 Gerardo Goldwasser (Instituto Goethe, Montevideo, Uruguay); Bienarte III (Alianza Cultural Uruguay Estados Unidos, Montevideo, Uruguay, 1991); Por si las moscas 2da parte (Unión Latina, Centro Cultural Lapido, Montevideo, Uruguay, 2003); Repeat me (Museo Municipal de Bellas Artes, Juan Manuel Blanes, Montevideo, Uruguay, 2010); Sismos (Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay, 2013). Ha participado de las siguientes bienales: I Bienal de Artes Visuales del Mercosur (Porto Alegre, Brasil, 1997); VI Bienal de la Habana (La Habana, Cuba, 1997); II Bienal de Grabado del Mercosur (Feria ArteBa, Buenos Aires, Argentina, 2000); IX Bienal Internacional de Cuenca (Ecuador, 2007). Sus más destacados premios son: Beca Fundación Pollock-Krasner (Nueva York, Estados Unidos, 2001); Primer Premio 50 Salón Nacional de Artes Visuales (Museo Nacional de Artes Visuales, Uruguay, 2002); Primer Premio 51 Salón Nacional de Artes Visuales (Museo Nacional de Artes Visuales, Uruguay, 2004).

Aquí soñó Blanes Viale

por Carlos Capelán

“El proyecto Aquí soñó Blanes Viale es el curioso encuentro entre un museo que omite su voz institucional y consiente en dejar que le reordenen, con un artista cuya subjetividad personal e incluso su agenda están casi ocultas y que propone «su» versión (una, «otra») de ese mismo museo. Uribe interviene y comenta tanto los mecanismos como los artefactos concretos de los que se sirve el museo: el espacio arquitectónico, la curaduría, el acervo, la museografía, los programas educativos, los criterios de la colección, el montaje, los guardas de sala, los recorridos de la muestra, el público, el artista, la restauración y el catálogo. Pero por sobre todas las cosas es la arquitectura del museo, comentada por el uso del color, lo que ocupa un lugar visible y singular en la muestra"

LEER MÁS

COMISSIONED WRITINGS

Lo moderno en lo contemporáneo

Apuntes sobre Pablo Uribe (Galería del Paseo) por Carolina Porley. Febrero 2021.

Los historiadores del arte, siempre propensos a las periodizaciones, suelen disentir a la hora de situar la emergencia del arte contemporáneo como paradigma hegemónico en el mundo del arte, desplazando al arte moderno. Algunos remontan el fenómeno a la década de 1960, otros lo reconocen en los años 80 cuando surge un cuerpo teórico asociado al cambio. Están quienes identifican en la transición más continuidades que rupturas, y señalan la pervivencia de la agenda moderna en diversas prácticas contemporáneas. El que ambos paradigmas hayan sido designados a partir de términos que refieren a una temporalidad vigente, no ayuda nada, y lleva a que se confundan como contemporáneas obras recientes creadas desde postulados claramente modernos. Además si bien es cierto que el arte contemporáneo supuso el abandono de principios esenciales del anterior (empezando por la vocación evolucionista, rupturista y aleccionadora propia de la modernidad), también lo es que algunas búsquedas propias de las vanguardias del siglo XX constituyen líneas de trabajo de muchos artistas contemporáneos. Este texto se propone reflexionar sobre esto último a partir de la serie croma de Pablo Uribe.

Pablo Uribe nace en Montevideo (Uruguay) en 1962. En sus obras consigue aliar profundidad conceptual, elegancia formal, sobriedad y contundencia expresiva, concretando un conjunto que agrada sin ser condescendiente. Estudió arquitectura en la Universidad de la República y artes visuales con el maestro Guillermo Fernández. Ha realizado diez exposiciones individuales y participado en más de cincuenta muestras colectivas en Uruguay, Perú, Brasil, Argentina, México, Suecia, Venezuela y Francia. Representó a Uruguay en varias oportunidades: Bienal del Mercosur (1999 y 2003); Bienal de Grabado ArteBA (Buenos Aires, 2000); VII Bienal de La Habana (Cuba, 2000); V Bienal Internacional de Estandartes de Tijuana (México, 2008); Encuentro Regional de Arte (2007) y en la Bienal de Venecia, entre otras. En el año 2000 fue invitado al II Festival de Arte Multimedia: Interferences (Belfort, Francia) y en 2008 al Intermodem Intermedia Festival and Workshop en el Modem Art Centre (Debrecen, Hungría). Obtuvo el Premio Paul Cézanne (2002), el Gran Premio en el 49º Salón Nacional de Artes Visuales (2001) con el tríptico Prueba de cielo, el Gran Premio Bienal United Airlines (2000) y el Primer Premio Banco Hipotecario del Uruguay (1999), entre otros. Fue becado por la Embajada de Francia para desarrollar un proyecto en residencia en la ciudad de Besançon (Francia, 2003). En el año 2006 realizó la videoinstalación Saludos en el Centro Cultural Florencio Sánchez; y la intervención curatorial Entre dos luces en el Museo Departamental Juan Manuel Blanes de Montevideo. En 2008 presentó dos series de serigrafías, Coleçâo/Collection y Doblepensar, en el Museo de Arte Contemporáneo de San Pablo (Brasil). En 2009 representó a Uruguay en la Bienal Vento Sul (Curitiba, Brasil) con la obra Carta de marear; y en la Bienal de Venecia, con la videoinstalación Atardecer. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Doblepensar en el Museo Departamental Juan Manuel Blanes (Montevideo, Uruguay, 2011); Carta de marear en el Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay, 2010); la videoinstalación Atardecer se exhibió en 15th Annual Los Angeles Art Show (Estados Unidos, 2009), Modem Art Centre (Debrecen, Hungría) y MMX Open Art Venue (Berlín, Alemania, 2010). Entre sus premios y menciones se destacan: Premio Figari en reconocimiento a la trayectoria artística (2016); Primer Premio Beca Paul Cézanne, Embajada de Francia en Uruguay (2002); Proyecto Vestidor Galería Pancho Fierro (Lima, Perú, 2002); Gran Premio 49º Salón Nacional de Artes Visuales (Ministerio de Educación y Cultura, Uruguay, 2001); Gran Premio Bienal, Museo de Arte Americano (Uruguay, 2000); Mención Especial, II Bienal de Grabado del Mercosur Arte BA (Buenos Aires, Argentina, 2000); Mención Especial Beca Paul Cézanne, Embajada de Francia en el Uruguay (2000); Primer Premio Banco Hipotecario del Uruguay (1999); Mención Honorífica Premio de Arte Joven (Maldonado, Uruguay, 1997); Mención de Honor BienArte V, Alianza Uruguay-Estados Unidos (Uruguay, 1994); Tercer Premio Beca Paul Cézanne, Embajada de Francia en el Uruguay (1993); Mención Especial Premio de Viaje a la Bienal de San Pablo, Instituto Cultural Uruguayo Brasilero (1989).